Strikes back

Hoy voy a analizar lo que considero es el exponente de una nueva tendencia en el mundo del rock bien livianito, casi popero, que es decir: “bien, necesitamos un éxito, pero todo está inventado, que hacemos” Respuesta de algún productor: agarren un tema conocido “Que haya pegado” y háganlo bien bailable. El punto de contacto con nuestra temática en este caso, es que para hacerlo bailable, se recurre al antiguo y desprestigiado rockandroll de la primera época, añadiendo esa cadencia clásica de batería redoblada y unas guitarras que simulan alguna furia, siempre dentro de lo “livianito” y “apto para todo público”

La banda en cuestión, The Baseballs, logra este objetivo perfectamente. Apariencia rockandbilly de finales de los cincuenta, ritmos pegajosos, coros y carisma. Metemos eso en la licuadora y sacamos una sucesión de temas imposible de dejar de escuchar. Y reconozco en ellos cierto valor artístico, porque hay que admitir que muchas de las versiones originales de estos temas son verdaderos bodrios que atacan nuestros oídos sin compasión, verdaderos hijos bastardos de la “música” de hoy en día súper comercial y sin ningún valor artístico, que no merecen ser escuchados bajo ningún punto de vista. Sin embargo los muchachos se las ingenian para sacar sus versiones, excelentes en algunos casos.

El disco empieza con la famosa Angels, con un sutil riff de guitarra y coros siempre presentes, muy buen ritmo de batería en el estribillo. Luego viene bleeding love a capela, punto alto que merece nuestra atención, con una guitarra aportando algunos dibujitos muy oportunos y el ritmo marcado con el chasquido de los dedos. Realmente una joyita. Chasing cars con el ritmo marcado por un piano y buenos coros, interpretación vocal muy intensa. Luego el cover de la famosa Crazy in love, un tema para olvidar en su versión original, algo mejorado aquí, con el añadido de varios registros vocales, una buena guitarra (aunque algo baja) y buena cadencia de batería, aunque admito que el tema es casi imposible de salvar. Don’t cha, un tema a medio tiempo con un dulce coro femenino y una muy agradable base de guitarra, muy pegadizo. Hey there Delilah, mi felicitación por este tema no tan conocido, con un bajo bien country, muy lindo. Hot’n cold, un tema que te saca una sonrisa, estos tipos lo hicieron de nuevo! Demostrando que si hay talento se puede hacer cualquier cosa con cualquier cosa. I don’t feel like dancing, este tema intento llevarse al terreno del country, aunque no lo veo tan bien logrado, apartándose más bien poco del original, aunque cumple. Jungle drum un tema francamente aburrido, demasiado pop para ser analizado aquí. Let’s get loud, el archi famoso tema, misma opinión que I don’t feel…

Love in this club, demuestra que esta segunda parte del álbum es mucho más pop, pero igual a esta altura ya sabemos que esperarnos y se deja escuchar. Monday morning muy linda melodía, temas que sin ser brillantes, uno quiere mantener en su ipod. No one, lindo trabajo de la guitarra, pegadiza canción. Pokerface no me gusto para nada. The look, muy pop, aunque con un pequeño solo de guitarra que deja buen gusto de boca. This love, versión del tema de Marron five, pero un toque más lento. Interesante.

Y el álbum cierra con Umbrella, cover del “hit” bien logrado con variaciones del original y una buena base.

Una banda para pasar el rato con temas muy pegajosos, a más de uno le va a gustar si sabemos diferenciar bien cuando se pasan al pop, ya que esa parte puede ser medio pesada.

Mi recomendado del día.

Los diez guitarristas más influyentes del rock

Inauguro una nueva sección de la página, “los más”. En este caso, los diez guitarristas más influyentes del rock, tema controvertido el elegido para comenzar…

10

Jack White: uno de los que seguramente será cuestionado, porque es contemporáneo a nosotros, recuerden que con el diario del lunes cualquiera es entendido. Podemos discutir todo lo que quieran, lo cierto es que en treinta años voy a poder refregarles en la cara un gran “se los dije!!!”, y este articulo va a ser mi evidencia.

9

Kurt Kobain: este artículo dice claramente en su título: “los diez guitarristas más INFLUYENTES del rock, NO los mas virtuosos.

Por cambiar totalmente el paradigma de los ochenta, y demostrar que no hace falta ejecutar quince mil notas por segundo para hacer un solo, a contramano de TODO lo que era popular en ese momento, (recordar el glam metal, los peinados, el maquillaje y las guitarras a la velocidad de la luz tocando una balada) es que el líder de Nirvana se hizo lugar en mi lista.

8

Steve Vai, este genio norteamericano no necesita justificación, pero si intentara una diría que fue uno de los máximos exponentes de la década del ochenta, y luego su progreso no decayó, llevando su música a un ámbito cada vez más experimental y particular, con álbumes legendarios como Passion and Warfare y su técnica depurada hasta niveles ridículos, pero altamente musical y aún así rockera.

7

Slash, pocos guitarristas tienen la capacidad de hacernos volar la cabeza con solo tocar unas pocas notas. El ex Guns and roses y Velvet Revolver es uno de ellos. Escuchen Paradise city, Sweet child O´mine, Rocket Queen, Coma, November rain, Dead horse, Patiente, la canción del padrino, Fall to pieces  si no me creen.

6

Tony Iommi: se gana un lugar simplemente por pertenecer a Sabbath e iniciar toda la movida heavy, con esos riff tétricos y esas progresiones oscuras, la única persona del mundo capaz de asustar con un instrumento musical.

5

Frank Zappa: compositor y músico autodidacta, grabo más de 80 álbumes y es reconocido por grandes guitarristas de casi cualquier género. Reservo un  análisis más profundo a algún artículo que tengo pensado dedicarle.

4

Joe Satriani: maestro de Kirk Hammett y Steve Vai, hace falta que diga algo más? Ah! Vendió 10 millones de copias de discos haciendo música instrumental…

3

Jimmy Page, a esta altura de la lista, con tamaño calibre de músicos, resulta difícil decir algo que todavía no se haya dicho, me limitare a comentarles que para resaltar en un grupo de genios virtuosos, hay que ser un grande de verdad

2

Chuck Berry, no creo que ningún conocedor de rock discuta la inclusión del gran Chuck en la lista, pero si su ubicación tan alta, por lo cual la justifico diciendo que el tipo hizo rock cuando el rock no existía! Cuan innovador es eso? El abuelo del rockandroll.

1

Jimmy Hendrix: "la guitarra parecía parte de su cuerpo" el máximo innovador, quien nos explico cómo demonios debe tocarse este instrumento. El sonido de Hendrix, único aun hoy, 40 años después, redefinió totalmente el uso de la guitarra, en una necesidad imperiosa del artista de llevarla mas allá, explotando al máximo su Stratocaster, sus amplificadores y su wah, explorando recursos impensados hasta ese momento como el feedback logrado al enfrentar su instrumento a sus amplificadores, generando una variedad de acoples y armónicos muy adecuados al sonido psicodélico, pero que fueron incorporados al género, y utilizados regularmente con posterioridad. El uso de la palanca de vibrato de forma indiscriminada, y la popularización de efectos como el wah, para producir líneas de guitarra ensordecedoras y asesinas, logrando no solo conmover nuestros oídos, sino nuestro pecho (sensación de explota el mundo debido a la presión sonora) y nuestro ánimo, produciendo lo que todos aspiran como artistas pero no todos logran, generar sentimientos en sus oyentes.

Menciones especiales: Jason Becker, Elvis Presley, Ritchie Blackmore, George Harrison, Robert Jonhson, sobre el cual escribiré ampliamente en su momento.

Les recomiendo interiorizarse en las obras de todos los mencionados.

Let it be

Hoy les traigo el primer análisis de la banda de bandas, quienes terminaron de fijar los parámetros del género, marcando la experimentación como característica principal del rock, dándole como consecuencia la vida eterna.

Un Beatle no necesitaba nada para producir buena música, ni siquiera otro Beatle, ya que debido al gran malestar con el que llegaban a esta parte final de su carrera, muchas sesiones se realizaron en solitario, grabando cada músico su pasaje.

Mucho se ha hablado de estas últimas horas de la banda, popularmente se dice que McCartney era el único interesado en mantener el grupo unido, y volver a las raíces rockeras de la banda, dándole al álbum un sonido más bien crudo. Lennon desvirtuando todo con constantes comentarios sarcásticos, incluso tocando mal los instrumentos en algunas canciones que no eran de su agrado agrede, y Harrison con un terrible complejo de inferioridad antes sus “compañeritos”.

Musicalmente, el disco comienza con Two of us, unos de los puntos culmines de la relación vocal Lennon-McCartney, fijando altos estándares de armonía, para un tema que es, sencillamente, rock.

Continua con una interminable ráfaga de “tú eres todo lo que quiero” en el tema Dig a pony, dando paso a la inolvidable Across the universo, con su memorable “pools of sorrow, waves of joy" (estanques de pena, ondas de alegría), como vemos la producción es una colección de inspiradas frases, nacidas del particular momento de sus vidas. Esta canción ha llegado donde ninguna otra lo ha hecho, ya que fue transmitida al espacio exterior en dirección a una estrella cercana.

Luego escuchamos la trastornada I me mine, en la cual Harrison muestra su valor como vocalista y posible frontman, que nunca pudo ser en los Beatles.

Dig it, es un divertido bocadillo donde los músicos sientan opinión común, algo raro en esos momentos, para mofarse de los Stones, particularmente del estilo vocal de Jagger.

Que puedo decir de Let it be, que no se haya escrito? Déjenme solo decirles que tras soñar con su madre durante las tensas sesiones para la grabación del álbum, McCartney explicó que ella había fallecido cuando él tenía 14 años.

En palabras del gran Paul:

“Me encantó volver a conversar con mi madre. Me sentí bendecido por tener ese sueño. Eso me hizo escribir 'Let It Be'”

Nada más que agregar. Aquí voy a hacer caso omiso de las críticas de Lennon a la canción, de su supuesto escaso valor musical y otras tantas cosas que se han dicho al respecto. Esto no es música clásica, es música popular, y la grandeza de una canción se mide por el poder que tiene para conmover a la gente.

I´ve got a feeling, ecléctica canción, combinación de otras tres inconclusas.

The long and winding road, una balada bastante confusa, gota final que colmo el vaso de McCartney, luego de escuchar la mezcla que Spector le realizo, el productor dijo que se vio forzado a hacer esto con «The Long and Winding Road», por la baja calidad con que John Lennon tocó el bajo. Si bien el mal empeño de Lennon en la canción ha sido nombrado en otras fuentes, este motivo por el cual Spector había editado tanto la canción ha sido cuestionado. McCartney argumentó que Spector pudo simplemente editar los errores, técnica que Spector usó en el álbum. Trágicamente, el público no noto estos detalles, convirtiéndose la canción en un éxito.

For you blue, una canción en la cual podemos escuchar algo de virtuosismo por parte de Lennon, tocando una guitarra slide.

El álbum cierra con Get back, paradigma del concierto en el tejado.

Buen momento para sacarle el polvo a ese viejo vinilo y escuchar las dos caras de este éxito.

Mi recomendado del día.

Let it bleed

Continuando con el análisis de obras maestras del rock, hoy les traigo la cúspide de la creatividad Stone, este gran álbum denominado Let it bleed.

Considerado por muchos su mejor producción, y por otros tantos, parte de la mejor época Stone. El disco muestra su sonido clásico, el que uno automáticamente relaciona con los Stones de la vieja guardia, cuando todavía no habían tocado en grandes estadios, simplificando su sonido para hacerlo más apropiado a esta clase de espectáculos, y sacrificando las sutilezas; esas imprescindibles en un género al cual siempre apuntaron, el cual siempre fue su base, el rockandroll en la frontera del country, con pinceladas bluseras.

Las letras reflejan en todo momento la problemática dinámica social de la época: escucharemos recurrentemente alusiones al amor, la política y las drogas, y, en menor medida, aunque siempre presentes, el sexo y la violencia. No voy a decirles que es una producción políticamente comprometida, pero tiene sus mensajes. Tanto Jagger como Richards han expresado posteriormente que la guerra de Vietman siempre estuvo en sus mentes mientras componían, así como una sensación general predominante en esa época de “la fiesta se acabó”, un sentimiento apocalíptico causado por el final de la década de los sesentas, que tanto conocen los seguidores del rock clásico, presente en innumerable cantidad de grabaciones.

“Esta grabación debería reproducirse a un volumen elevado” predicaba el interior de la cubierta original, instrucción a la cual este blog adhiere. Álbum muy recomendado para escuchar de principio a fin, llevándonos varias gratas sorpresas, como el solo de góspel de Gimme Shelter, la introducción realizada por la London Bach Choird en You can’t always get wath you want, o a Keith Richards cantando su primera canción de completa como voz principal en You got the silver.

Destacable la gran base acústica de Love in vain, escrita y ejecutada por Mick Taylor, ex guitarrista de “Jonh Mayall abd the bluesbrakers”, reemplazante de Brian Jones (que solo participo en dos temas). La historia de persecución en Midnight rambler, referida a un asesino de la época. Una “rareza” para los no seguidores, Country honk, la versión folk de la famosísima Honky town women, que incluye arreglos de violín.

Como todo clásico, contiene himnos como Gimme Shelter, considerada una de sus mejores canciones, y “You can’t always get what you want”, desprestigiada por Jonh Lennon como la versión Stone de Hey Jude, aunque tengo mis reservas al respecto, sin meterme en esa gran “rivalidad” que tan para bien marcó la época y la historia de nuestro género. En este tema, la batería fue tocada por el productor de la banda en la grabación ya que Charly no pudo tocar la base sin ser acompañado.

Una gran opción para escuchar un sábado a la tarde mientras nos relajamos en los patios de nuestras casas suburbanas.

Mi recomendado del día.

Led Zeppelin I

Hoy en esta página quiero compartir con ustedes la primera descripción que hago de una obra maestra, tanto por la calidad del disco, como por ser el puntapié inicial de una gran carrera, que dejaría como legado, una de las mayores y más influyentes obras musicales contemporáneas.

Este disco demuestra que, cuando se unen buenos músicos, solo tienen que tocar! No necesitaron de nada raro, solo 30 horas de estudio, casi sin tiempo de ensayo (recordemos que Page ya era un afamado músico de estudio para ese momento con trayectoria en The Yarbirds, y actuaba como compositor y productor).

Que podemos escuchar aquí? Un sonido muy dinámico, frontal, pero que a la vez da la sensación de haber sido grabado “en la habitación del fondo”,  por momentos bastante agresivo (la prensa especializada los catalogo primeramente como un grupo de heavy, generando quejas por parte de la banda ya que tenían mucha música acústica. En “Your time is gonna come”, Page ejecuta una Fender con sonido limpio que recuerda la introducción de “The wings cries Mary” de Hendrix, toda una joyita.

No me voy a extender en las características personales de los músicos, porque ya todos las conocemos. Solo menciono que no te podes perder de escuchar la ejecución de John Bonham, dos series de dieciseisavos en distintas partes de la canción “Good times, bad times”, el patrón de pregunta y respuesta entre la guitarra y la voz de Plant en “You shock me all night long” y el intenso aporte del bajo de John Paul Jones en todo el álbum, especialmente, se lo siente muy presente en “Comunication breakdown”

Además, el gran porcentaje de covers del álbum nos “invita” a empaparnos más de la obra de sus autores originales, retrocediendo hasta los años 50 en algunos casos.

Puntos altos: Good times, bad times; You shock me all night long, Dazed and confused, I can´t quit you baby, en fin, no quiero poner todo el disco aquí… saquen sus propias conclusiones luego de oírlo entero, merece la pena.

Un clásico inmortal, mi recomendado del día.

Consolers of the lonely

Se puede abordar este álbum desde dos puntos de vista: haber escuchado los White Stripes asiduamente antes o no. El primero honestamente genera comparaciones injustas ya que esta banda es otra cosa totalmente distinta, aunque guiada continuamente por el particular estilo de Jack White.

Como soy injusto, primero voy a comparar, y luego hacer un análisis objetivo del disco.

Como era de esperar el contexto de banda le quita bastante protagonismo a la omnipresente guitarra de Jack. El bajo, con interesantes líneas, aunque nada fuera de lo común, desplaza las seis cuerdas durante largos pasajes. A no confundirse, los guitarrazos impredecibles siguen ahí, solo que al estar acompañados. Se pierden bastante, sacando ese factor sorpresa al que tanto están acostumbrados los seguidores de los Stripes. Por otro lado, esta banda no es tan rockera, y mucho menos blusera, lo suyo es un pop bastante digerible para cualquier paladar no acostumbrado, aunque con constantes coqueteos con estos estilos de referencia, tanto para los músicos como para esta página. Esta “falta de sorpresa” se trato de compensar con temas “pasados de energía”, al estilo de “Bone Broke” del álbum Icky Thump, el cual en mi opinión no representa el estilo de los Stripes.

Comparaciones odiosas de lado, paso a enumerar lo nuevo, lo fresco, de esta formación.

Buenas bases: no se podía esperar menos de un gran guitarrista, lo podemos escuchar en todo su esplendor en los temas “Consolers of the lonely”, “The Switch and the Spur”, y un efecto de compresión bastante innovador en un pasaje de “Salute your Solution”.

Las partes vocales de Jack, como siempre en estudio, muy buenas, aunque no es un tono de voz que vaya a agradar a todo el mundo, sino mas bien, un gusto adquirido. De igual manera, varios temas con gran presencia del piano, crando lindas introducciones.

Como particularidad menciono dos temas con un extraño pero agradable gusto mariachi: “The switch and the spur” y “Many shades of black”, este último uno de los mejores temas del disco.

En definitiva, un disco que vas a escuchar entero y, probablemente desechar varias canciones, pero con puntos altos y una línea creativa que hacen que valga la pena oírlo.

Mi recomendado del día.

Surrealistic Pilow

Un álbum completo, que tiene lo que promete, canciones folk, blues y psicodélicas, que tienen esa coherencia necesaria para que un álbum supere la prueba del tiempo y quieras volver a escucharlo varias veces.

A no asustarse si no estamos acostumbrados a escuchar música sesentosa, mucho se habla de la revolución de esta época, de los cambios, de las cosas “locas” que se hacían, yo les digo: es música que cualquier estomago musical actual puede digerir, un auténtico clásico.

Mención especial para las guitarras, a pesar de provenir de estilos altamente influenciados por las seis cuerdas, las violas de esta banda no alcanzan a “romper” como en el rock tradicional (que en esta época recién empezaba a florecer como género, y no tenía muchos de los excesos musicales que hoy nos parecen característicos del mismo). Jorma Kaukonen, el guitarrista principal, tiene pocos solos memorables en este disco, no desprecio su trabajo, ya que marca el estilo de la banda, pero en ningún momento pretende resaltar de la formación, algo a lo cual estamos muy acostumbrados hoy en día, con músicos que se asemejan a malabaristas por turnos, viendo cuál de ellos realiza un solo más memorable, largo, estruendoso o “cortante”.  Por el contrario aquí encontraremos multitud de pequeños y sutiles arreglos que nos sorprenderán gratamente, recomendación: escuchar con auriculares para captar la gran complejidad tímbrica que puede no ser tan aparente en una primer escucha.

Gran trabajo rítmico, con bases sutiles pero muy presentes, que nos dan a entender en todo momento que estamos escuchando.

Hermoso el trabajo de “Embryonic Journey”, este tema si que es experimental. Puntos altos del disco la famosísima “Somebody to love” y “White Rabbit”, donde la poderosa voz de Grace Slick se destaca, con ese inconfundible reverberación desde lo profundo de su garganta.

Para muchos el punto más alto de la banda, un disco que realmente merece un lugar esta semana en tu reproductor, seguro alguna de alguna canción te vas a apropiar.

Mi recomendado de la semana.

The White Stripes

Sonido crudo, típico de ese gigantesco y mal delimitado estilo llamado garaje rock, surgido en las entrañas del país del norte, low fi en su máxima expresión, donde el oyente se percata de todo lo que pasa en la grabación, no se oculto nada, ni se intenta hacerlo. Desde los dedos de Jack contra las cuerdas en cada slide de su roja Explorer hasta Meg acomodando el banco de su batería.

La banda se pasea constantemente entre el blues, el country y el rock, con algunas incursiones al heavy (moderadas) aunque oportunas, Jack sabe darnos lo que la canción pide en cada momento, y nunca dudo en cambiar tiempos, tonalidades y acordes explosivamente en un intento de levantarnos de nuestros asientos, y patearnos el trasero a la vez que nos dice con su chillona y herrumbrada voz (hello operator!)

Desde la crudeza absoluta de su primer álbum homónimo, hasta el refinamiento de “You don´t know what love is”, en el cual nos dicen: quieren un hit? Tomen, pásenlo en la radio hasta que les sangren los oídos. El resto del álbum debería en estos tiempos traer una etiqueta similar a la de parental control que diga: “advertencia, usted puede escuchar buenos riff de guitarra en el siguiente CD, se recomienda discreción y control por parte de los padres” .

Y Jack White, el último representante en el circuito rockero actual, que se anima a tocar rock! Brutal violero, que logra sus maravillosos golpes de efectos mediante una composición de geniales bases de guitarra pocas veces acompañada por bajo, lo que permite que los solos sean una “explosión” con el efecto que deben tener, el de ser una canción dentro de la canción.  Te gustan los solos de guitarra? Escucha los solos de “Ball and biscuit” magistral, maravilloso uso de la distorsión, en varias etapas, el whammy de una forma que nunca se escucho en el blues.

Párrafo aparte para la estética de la banda la cual mantuvo una coherencia poca veces vista en estos tiempos, manteniéndola desde sus inicios en 1997. Su mezcla de ambientes recargados, que por alguna razón parecen minimalistas, con los característicos colores, son su segunda tarjeta de presentación luego de, obviamente su música.

Mi recomendado de la semana, a poco tiempo de su separación, sigamos echándole fuego a su hoguera.